달리는 차 안에서 바라보는 창문 밖의 풍경은 어느새 추상이 된다.

저 멀리를 바라보면 온전한 형태로 존재하는 듯 하지만 가까운 것들을 바라보게 되면 형은 사라지고 어느새 색만 남게 된다. 순수의 색만이 남는다. 순수 색을 사용한 공간감의 발현, 회화 너머의 공간과 심상은 언제나 나에게 화두였다. 안과 밖, 외부와 내부의 경계 그 사이 어딘가를 잇는 것. 실재하는 형태의 경계선에 있는 것은 가스통 바슐라르의 철학에서 찾을 수 있다.

 

 가스통 바슐라르의 철학에서 창문은 물리적 경계를 넘어서 상상력의 통로 역할을 한다. 그는 창문을 통해 내면과 외부 세계가 연결되고, 이를 통해 인간의 상상력과 감정이 확장된다고 보았다. 또한 이를 통해 우리가 바라보는 세계가 얼마나 광대하고 무한한지, 우리를 외부의 거대한 자연과 연결시키고, 동시에 우리 내면의 고요함과 연결되도록 돕는다.

 창문은 단순히 외부 세계를 바라보는 물리적 틀이 아니라, 내면과 외부가 소통하는 공간적 매개체이다. 창문을 통해 들어오는 빛과 풍경은 우리의 상상력과 감정을 자극하며, 이는 곧 우리 내면의 세계를 확장하는 중요한 요소로 작용한다. 이와 같은 창문의 특성은 회화의 개념적 확장과 맞닿아 있다.

 전통적인 회화는 주로 캔버스를 사용하여 표현되지만, 캔버스를 넘어서 다른 재료를 활용하는 것은 회화의 경계를 넓히고, 새로운 차원의 예술적 경험을 제공하고자 한다. 이는 마치 바슐라르의 창문이 내면과 외부를 연결하는 통로인 것처럼, 재료의 확장은 회화가 새로운 형태와 공간으로 확장되는 것을 의미한다. 캔버스 대신 혼합 재료를 사용하는 것은 물리적 공간의 경계를 허물고, 새로운 시각적 경험을 창조하는 방법이다. 이런 재료들은 그 자체로도 외부 세계와의 상호작용을 강화하고, 빛과 색을 새로운 방식으로 반사하거나 투과시키며, 작품의 의미를 다층적으로 확장시킬 수 있다.

 창문을 통해 바라보는 세계가 우리의 내면에서 어떻게 다양한 가능성으로 변형될 수 있는지를 상징한다. 이창문을 통해 우리는 일상에서 벗어나, 새로운 시각과 사유의 세계로 들어갈 수 있습니다.

바슐라르가 말한 상상력의 공간을 빛과 색으로 해석하여, 창문을 통해 내면의 에너지가 외부 세계와 어떻게상호작용할 수 있는지를 탐구했다.

 창같은 회화.

내부와 외부를 연결시키는 문.

내부에서 외부를 바라보는, 그 외부의 모습을 상상하게 만드는 회화라는 형식을 빌려 그 안에 공간감을 부여색을 통해 관람객의 체험을 강조하여 시적교감의 주관적 느낌을 보여준다.

Artist's Statement 2024/25

 The scenery viewed through the window of a moving car gradually becomes abstract. When gazing into the distance, shapes appear to exist intact, but as we look at things closer, forms disappear, leaving only colors behind. Only pure colors remain. The manifestation of spatial perception using pure color has always been a topic of contemplation for me, connecting the boundaries between the inside and outside, and between the external and internal worlds. This intersection can be found in the philosophy of Gaston Bachelard.

 In Bachelard's philosophy, the window serves as a conduit for imagination that transcends physical boundaries. He believed that through windows, the inner self connects with the external world, thereby expanding human imagination and emotions. This connection helps us realize how vast and infinite the world we observe is, linking us to the grand nature outside while also connecting us to our inner tranquility.

  A window is not merely a physical frame through which to view the outside world but a spatial medium through which the inner and outer realms communicate. The light and scenery entering through the window stimulate our imagination and emotions, acting as a crucial element that expands our inner world. This characteristic of windows resonates with the conceptual expansion of painting.

 Traditional painting primarily uses canvas for expression, but moving beyond canvas to utilize other materials aims to broaden the boundaries of painting and provide new dimensions of artistic experience. Just as Bachelard's window connects the inner and outer worlds, the expansion of materials signifies that painting can extend into new forms and spaces. Using mixed media instead of canvas breaks down the physical boundaries of space and creates new visual experiences. Such materials enhance interactions with the external world and reflect or transmit light and color in novel ways, thereby multilayering the meaning of the artwork.

 The world viewed through the window symbolizes how it can transform into various possibilities within our inner selves. Through this window, we can escape from our daily lives and enter a realm of new perspectives and thoughts. By interpreting the spaces of imagination that Bachelard spoke of through light and color, we explore how the energy within interacts with the external world.

 A painting that resembles a window. A door connecting the internal and external. By borrowing the form of painting that allows us to imagine the external world from within, it emphasizes the viewer's experience through space and color, showcasing a subjective feeling of poetic communion.

 자연 혹은 일상에서 보는 경계-유형이건 무형이건-는 명확해보이면서도 자세히 보면 모호한 것들이 대부분이다. 그 모호함 속에는 끊임없이 변화하는 물성이나 자연의 이치와 같은 것들 때문일것이다.

시간 혹은 공간의 변화에 따른 경계들은 인간처럼 불완전하기만 하다. 그리고 내가 마주한 경계는 찰나의 순간일 것이다. 작업속에서 나는 그 찰나의 불완한 경계를 담고자 한다. 형도 색도 끊임없이 변화하는 경(景)의 찰나를 표현한다. 그리고 또 형과 색은 체화되어 계속해서 변화해나간다.

 

 ‘Wave’시리즈는 제목 그대로 파도를 형상화한 시리즈 작업이다. 끊임없이 움직이는 파도라는 물성을 최대한 추상화해서 표현했다. 일련의 작업들은 서로 이어지는 듯 이어지지 않는데, 작업(캔버스) 사이 사이의 확장성을 보여준다. 캔버스들이 어떻게 놓여지는가에 따라 작업의 형도 다르게 완성된다. 변화하는 물이라는 속성을 캔버스의 유동적인 배치로 하여금 다양하게 표현된다.

 

 시간의 흐름에 따른 자연 혹은 일상이 변화하는 순간들을 이미지 혹은 단어로 기록하고, 기억의 색 혹은 즉흥의 색으로 표현한다. 그리고 작품의 제목을 명명하는 일련의 과정을 통해 재구성, 재조합한다.

 Most things seen in nature or in everyday life, whether tangible or intangible, there seems to be clear boundaries. However, if you pay close attention, things are actually ambiguous in terms of its shape and colour. Their physical properties allow them to move, change and manipulate how we perceive it.

 

 Those boundaries are imperfect as it is changing in time and space us human beings. When we are facing those boundaries, it is only for a moment. I try to contain the imperfect boundaries of that moment in my work. I embody its flow of change.

 

 As the title suggests, the Wave series is a series of work that form waves. The physical property of a constantly moving wave is expressed as abstract as possible.

The series of works do not seem to be connected to each other. It shows the scalability between canvases. The type of work is completed differently depending on how the canvases are laid out. The changing property of water is expressed in various ways by the fluid arrangement of the canvas.

 

 The moments of changing nature or daily life according to the passage of time are recorded in images or words, and expressed in the colour of memory or improvisation.

 

 And it reconstructs and recombines through a series of processes, thus naming the title of the work.

 미니멀리즘 페인팅에 기초한 작업은 회화의 형태적, 근본적 시작은 어디인가 라는 질문에서 출발한다. ‘오늘부터 페인팅은 죽었다’라는 페인터 PAUL DELAROCHE의 공표 이래, 지난 150여년간, 그에 대한 다양한 예술사적, 형태적 재해석은 꾸준히 이어져오고 있다.  

 

 나의 작업 또한 그 질문의 연장선상에 있다. ‘페인팅이란 어디서부터 시작일까?’ 라는 질문은 본질적 페인팅의 물질적 속성에서 부터 시작된다. 페인팅이 시작되는 지점은 처음 나무를 자르고, 조합하고, 못으로 고정하고, 끝부분에 띠를 만드는데서 부터 시작한다. 이를 인체에 비유하자면 인간의 뼈와 유사하다. 이렇게 프레임을 완성한 후에는 캔버스를 씌우고 여러번의 덧칠과 사포질로서 페인팅을 시작하는 기초를 완성한다. 이는 마치 뼈를 감싸고 있는 피부와도 같다.

 

 프레임 페인팅 시리즈에서는 형태적 물성을 해체시키고 재조합하여, 새로운 형태를 구성하는 작업이다. 프레임은 더이상 형태를 지지해주는 제2의 요소가 아닌 회화적 요소를 대신하는 주된 작업의 주제로서 장소에 따라 여러가지 모습으로 형태적 재구성을 꾀하며 가변적인 형태을 띈다.. 이는 페인팅이 더이상 관습적인 형태와 이차원적인 모습에 머무는 것이 아니라, 부피와 형태를 확장시켜 조각적 요소로 전이된다.

 

 실리콘 페인팅 시리즈에서는 일련의 캔버스 제작과정에서 벗어나 페인팅을 이루고 있는 뼈와 살이 동시에 제작된다. 이는 하나의 관습적 형태 안에 존재하는 페인팅에 공간감을 부여한다. 실리콘 페인팅은 보통 투명 실리콘이 사용되곤 하는데, 투영성은 관객이 페인팅을 마주하였을때, 그 너머의 사이 공간에 대한 이야기이기도 하다. 또한, 제작 과정에서 이루어지는 실리콘의 유동성은 우연적 효과를 만들어 낸다.  

 

 

 

Artist's Statement 2016

 Artist's Statement 2016  The foundation from which Yunji’s work has evolved from is that of minimalist painting. Undercutting the conservative painting practice of applying pigment on canvas, Yunji strips bare the raw canvas material to be left with only the structure. From this, fabric with varying degrees of texture is vastly spread over these huge frames to create exciting contours of color. Reminiscent of Korean traditional linen patchwork tapestries, Yunji fuses fabric based on the compositions of traditional beauty, extending the reinterpretation of modern painting. 

 Yunji’s work tracks the space of a finite frame but also contrasts this limitation with depth via layers of material with transparent qualities. This auxiliary depth supports the surface structure organically with light and tone, which is otherwise denied by conventional painting methods. Yunji creates an ambiguous metamorphosis that happens within the frame depending on the viewers point in space.

Y unji explores the relationship of color and light. Initially all work begins with the selection of a single color. This then dictates a deviant attribute for which all colors are then based. The qualities of a fabric then allow Yunji to create form, with each piece having the tendencies to react to light differently giving variables of distortion and harmony. 

 The process of selecting and juxtaposing different weights and volumes of fabric could bring about similarities in the traditional selection of reducing and adding paint to canvas. Different combinations of fabric with penetrability and elasticity produce the boundaries of chance that cannot be known until the work is completed. When placing fabric to frame, elements of Yunji’s initial configuration evolve comparable to an initial sketch made by other conventional artists. Difference in elasticity generates physical effects. Thin cloth having permeability is contrasted with the heavier cloth with less so. The completed work has a spontaneous effect that is not only found within a frame but also thru it.